Immagine: Miles Aldridge
DCW: A parte il passaggio al digitale, come è cambiata la fotografia da quando hai iniziato?
MA: Molte cose sono cambiate da quando ho preso in mano una macchina fotografica per diventare un fotografo professionista. Scatto ancora su pellicola, anche se girerò in digitale se è un problema per un certo cliente. Ma uno dei cambiamenti più grandi è che lavoro molto meno nella pubblicità convenzionale e credo che sia successo a causa della crescita dei social media.
I clienti che spendevano i loro budget per grandi scatti fotografici, ora lo spenderanno per un misto di questo e sui social media. Penso che la maggior parte delle persone sarebbe d'accordo sul fatto che l'investimento nella fotografia pubblicitaria sia - e azzardo un'ipotesi qui - solo circa il 10% di quello che era 20 anni fa. È un panorama molto diverso.
Quando ho iniziato, le riviste erano molto vivaci ed eccitanti. Prima di Internet, le riviste avevano un vero e proprio controllo sul consumatore e questo era uno dei modi fondamentali per trasmettere il tuo messaggio. Una volta che Internet è decollato e ha iniziato a promettere ai clienti che avrebbe potuto concentrare il loro pubblico di destinazione e persino dare un feedback su quante persone hanno visualizzato i loro annunci e così via, la proposta di una pubblicità su una rivista è diventata sempre meno allettante. Naturalmente, le riviste hanno fatto tutto il possibile per riavere gli inserzionisti, offrendo tariffe sempre più convenienti, immagino. Ora, non è più la parte più importante della campagna pubblicitaria di nessuno.
Quando ho iniziato, la situazione era chiara: se fossi un bravo fotografo editoriale e facessi molti editoriali per le riviste giuste - i Vogues e così via - avresti avuto molte campagne pubblicitarie da girare. E i soldi che guadagnavi dalle campagne pubblicitarie potevano anche essere spesi per migliorare ulteriormente i tuoi editoriali perché le riviste non supportavano realmente i fotografi. Ci sarebbe un budget di base, ma se volessi fare qualcosa di speciale, come ho sempre fatto, dovresti pagarlo tu stesso.
Quel tipo di dinamica c'era quando ho iniziato, ed è rimasta così fino a quando Internet non si è stabilito. Se sfogli le riviste della metà degli anni Novanta, vedrai che la pubblicità è molto più aggressiva, audace e insolita. Direi anche artistico. Ora, le immagini pubblicitarie sembrano tutte che potrebbero essere scattate dallo stesso fotografo. C'è una sorta di requisito di base ora per fotografare solo l'abito o qualunque cosa sia. Non c'è un reale interesse da parte del cliente pubblicitario ad avere qualcosa di artistico, direi.
Pensi che ci sia un elemento in cui le persone non vogliono correre gli stessi rischi di prima?
Beh, non possono. Penso che quando l'industria è piena di paura - una recessione dopo l'altra, o le promesse di Internet di dare a questi marchi un sacco di soldi - diventa piuttosto vuoto. La paura che questo instilla nelle persone che hanno investito in questi progetti fa loro pensare che forse potrebbe non funzionare, quindi è meglio che non rovinino tutto, e quindi non vale la pena rischiare nulla. Penso che quando ti trovi in una situazione del genere creerai solo un lavoro molto, molto blando. Quindi sì, per rispondere alla tua domanda, penso che le persone siano terrorizzate dall'idea di creare immagini rischiose o interessanti.
Inoltre, se torni indietro di 20 anni circa, il mercato non era così globale come lo è ora, con la stessa immagine che doveva attirare un pubblico in Arabia Saudita, India o Africa. Quando il tuo pubblico è così vasto, ha l'effetto di diluire ciò che è accettabile dal punto di vista visivo. Quello che noi, o io, potremmo trovare interessante in un'immagine, perché si riferisce a un film o a un teatro in cui i riferimenti culturali sono molto chiari, potrebbe non essere compreso da qualcuno in Arabia Saudita, per esempio, e potrebbe essere insultato da ciò. Quindi gli inserzionisti devono giocare con attenzione in ciò che mostrano.
"Penso che le persone siano terrorizzate dall'idea di creare immagini rischiose o interessanti".
Miles Aldridge
Una delle cose che è veramente cambiata da quando ho iniziato a fotografare è che la fotografia pubblicitaria è diventata davvero poco interessante. Quando ho iniziato, alcune etichette di moda come Jil Sander erano l'obiettivo assoluto. Jil Sander era vista come la Cappella Sistina della fotografia di moda, quella che ogni fotografo voleva ottenere. Non credo che esista una campagna pubblicitaria di moda eccezionale che un fotografo pensa valga la pena fare in questi giorni, anche se Gucci sembra ancora piuttosto buono, per essere onesti.
Hai fotografato le stelle di Game of Thrones per la rivista TIME di recente. Come è successo? Questo è abbastanza diverso da quello per cui sei conosciuto. Lo hai fatto in risposta al cambiamento del settore in qualche modo?
Ho realizzato immagini dello stesso genere in modo intermittente nella mia carriera. C'era un'immagine che ho chiamato Like a Painting for Italian Vogue nel 2008, e questa è stata ispirata da un pittore rinascimentale chiamato Pisanello. Il progetto Game Of Thrones nel 2017 è stato principalmente ispirato da un pittore del Rinascimento settentrionale chiamato Lucas Crannach, ma anche leggermente ispirato da Albrecht Dürer, l'altro grande pittore del Rinascimento settentrionale. Riesco a trarre ispirazione da film, libri e pittura e sono un amante della storia dell'arte; se è stimolante, sono abbastanza felice di prendere un riferimento da qualcosa che ha 500 o più anni. Penso che sia sempre importante portare un giro di Miles Aldridge, quindi non vorrei mai fare solo una fotocopia diretta di un dipinto - non penso che sia interessante. Mi piace sempre portarvi un elemento del mio lavoro più noto, anche se ha un riferimento antico o antico.
Durante le riprese di Game Of Thrones, ho lavorato molto duramente con lo scenografo per avere tessuti che fossero più papaveri, con una tavolozza di colori più ampia, per dare una sorta di svolta moderna a queste immagini storiche. Poiché GOT è fantasy e finzione, basato su questo universo parallelo, ho cercato di pensare a un modo per fare ritratti sia singolarmente che come scatti di gruppo che facessero riferimento a ciò che era GOT, ma anche per aggiungere qualcosa di diverso. Quindi, legandolo a questa tradizione del Rinascimento settentrionale di questi ritratti molto semplici, con un elemento simbolico come un fiore o un frutto. C'è un famosissimo dipinto di Leonardo da Vinci di una ragazza che tiene una donnola, per esempio.
"Se è stimolante, sono abbastanza felice di prendere un riferimento da qualcosa che ha 500 o più anni".
Miles Aldridge
Quelle erano le regole, fintanto che le adottavo potevo quindi adattare l'immagine usando la mia illuminazione, il colore e la chiarezza distintivi. Questo era qualcosa che condivido con quegli artisti: avevano un occhio ossessivo per registrare i dettagli. Il modo in cui illumino, e il modo in cui uso la mia macchina fotografica, significa che catturo una quantità straordinaria di dettagli, simile a un dipinto del Rinascimento nordico di quel periodo.
Diresti che i dipinti hanno più influenza su di te rispetto alle opere di altri fotografi?
Sicuramente sono stato influenzato da altri fotografi come Helmut Newton, Guy Bourdain, Irving Penn e Richard Avedon. Trovo interessante non solo l'immagine che hanno reso, ma anche il modo in cui la loro carriera si è spostata tra il lavoro per riviste e progetti personali. Avedon ha lavorato a mostre e libri, così come Newton e Bourdain. Avedon ha svolto anche molto lavoro politico. Trovo le loro carriere stimolanti e alcune delle loro immagini sono davvero sorprendenti, ma penso che se prendi ispirazione solo da altri fotografi probabilmente avrai solo un modesto successo con quel tocco.
Piuttosto che essere sempre un fotografo, ho sempre voluto essere un regista o un regista, e sono sempre stato molto ispirato dalle immagini che potevo vedere al cinema. Quando ho avuto la possibilità di essere un fotografo, sebbene avessi altri fotografi come alcuni dei miei eroi, ero molto entusiasta di poter anche fare foto che sembravano fermezza dei film che amavo. Oppure, un mashup tra una copia di Vogue e un film, come un fotogramma cinematografico, ma la modella indossava qualcosa che era importante per la rivista, e l'intera cosa combinata diventava qualcosa di nuovo. E questo è probabilmente il motivo per cui c'è interesse per il mio lavoro, perché non fa riferimento solo ad altri fotografi del passato, o al Rinascimento, o anche solo al cinema. Ho una mente simile a una gazza, vedo qualcosa in un posto e qualcos'altro in un altro, e poi costruisco un'immagine che è personale ma che fa riferimento anche ad altre cose che mi interessano.
Per quanto riguarda il cinema, so che in passato hai diretto alcuni video musicali. È qualcosa di cui immagini di più? O forse passare ai lungometraggi?
"Quando ho avuto la possibilità di essere un fotografo … ero molto entusiasta di poter anche fare foto che sembravano fermezza dei film che amavo".
Miles Aldridge
Non direi mai mai, ma ho fatto i video pop prima ancora di prendere in mano una videocamera, quindi probabilmente è circa 25 anni fa. Sono stato molto fortunato di essere caduto in quella carriera e l'ho fatto per un paio d'anni. Non ero molto bravo e le persone erano molto pazienti con me - praticamente mi lasciavano scherzare con una cinepresa. Ma ho imparato molto su come farlo. Ho imparato molto sulla costruzione di set e sulla creazione di questi spazi cinematografici. Ho imparato qualcosa sull'illuminazione parlando con i cameramen con cui stavo lavorando. Ho anche imparato a gestire un grande gruppo di persone, un grande set in una grande ripresa. La maggior parte di questi video aveva circa 30 persone che svolgevano compiti diversi e nei miei scatti ora c'è probabilmente una quantità simile di persone. È sempre una bella produzione.
Penso che sia stato molto utile per farmi dubitare se volevo davvero essere un regista, perché ho trovato davvero difficile mettere una firma sull'immagine quando stavo girando video pop. Quando ero un fotografo, mi sentivo come se potessi fare qualcosa in cui l'avevo davvero firmato, come se fosse la mia immagine. Penso che la realizzazione di un film sia un processo molto più collaborativo; devi davvero lavorare con il direttore della fotografia come regista, e loro avranno una grande influenza su come apparirà tutto. Devi lasciare andare una parte della tua estetica. Quindi, poiché l'ho fatto per primo e ho trovato che fosse una vera lotta, quando sono arrivato alla fotografia, dove ero essenzialmente il regista, il produttore e il cameraman tutto in una volta, mi sentivo come se avessi questa autonomia che non avevo prima .
Inoltre, mi è piaciuto il modo in cui sono state visualizzate le fotografie, con cui intendo in una rivista. Quando ho iniziato a lavorare di più, hanno iniziato a essere inclusi in libri e gallerie, e ora sono anche nei musei. E questo mi piaceva rispetto a un video pop, che all'epoca veniva visto solo in televisione. Ora lo vedresti su YouTube, forse sul tuo iPhone. Per me, il risultato finale era qualcosa che mi interessava. Ero molto felice di fare qualcosa che creasse una stampa, qualcosa che durasse, qualcosa che fosse più bello da guardare che su uno schermo televisivo o un iPhone, che penso sia un modo sgradevole di vedere le cose.
A quel punto, se ci fosse un artista che mi piaceva che voleva un video pop e ci fosse libertà di essere creativo, sarei interessato. Ma proprio come tutte queste altre cose di cui stiamo parlando, penso che l'industria musicale abbia avuto il coraggio di cavarsela finanziariamente, quindi faresti fatica.
Parlerai al The Photography Show quest'anno. Cosa hai in programma?
Sto ancora giocando con quello di cui voglio parlare, ma l'ho chiamato "Color by Miles Aldridge". Penso che il colore sia un soggetto infinitamente affascinante nella fotografia. Adoro collezionare vecchi libri e riviste di fotografia e vedere come i colori si sono evoluti in diversi stock di film nel corso della storia della fotografia.
"Penso che se prendi ispirazione solo da altri fotografi, probabilmente avrai solo un modesto successo con quella virata."
Miles Aldridge
L'ovvio qui di cui discutere è Kodachrome. Negli anni Quaranta e Cinquanta, e anche negli anni Sessanta, la gamma tonale di quel film è stata straordinaria e ha creato un tono incarnato che da allora è stato molto difficile da replicare. Scatto su pellicola Kodak con negativi a colori e cerco di elaborarla in post-produzione per dargli la stessa qualità che amavo da quelle prime fotografie.
Discuterò di come il colore ha un effetto sull'immagine e di come i colori funzionano nella fotografia per me. Quando illumino un soggetto, ad esempio, mi piace mettere un elemento di blu o verde nelle ombre, quindi c'è una sorta di freddezza nelle ombre e un po 'più di calore nelle alte luci. Quindi parlerò di cose sottili come queste, e anche di come un blocco di colore può avere un effetto incredibile sull'immagine quando si scontra con un altro, e di come lo porto nell'immagine lavorando con i miei scenografi, make- su artisti, stilisti e parrucchieri prima delle riprese. Tra di noi collaboriamo e creiamo una tavolozza.
Spesso dipingo acquerelli e faccio anche schizzi in anticipo, e con ciò posso visualizzare come andrà a finire una fotografia. Più lo faccio, più ho fiducia nelle riprese che i colori rimarranno uniti e daranno una buona estetica. Non voglio solo fare qualcosa che sembri sicuro e piacevole. Preferirei di gran lunga aggiungere qualche altro colore e creare una tavolozza più destabilizzata. È quello che sto cercando di ottenere, qualcosa che a prima vista potrebbe essere un po 'troppo, ma mentre ci lavori puoi orchestrarlo e comporlo in modo che alcuni dei colori che non pensavi potrebbe funzionare finire per funzionare. Penso che sia così che crei immagini moderne.
Sono sempre consapevole del passato, che si tratti di un dipinto rinascimentale di cinquecento anni fa o di un film di David Lynch degli anni '80. Ho un ampio catalogo di riferimenti visivi, ma questi ti porteranno solo lontano - penso che tu abbia davvero bisogno di sperimentare. Puoi sperimentare nello studio fotografico fino a un certo punto, ma quando sei in uno studio con altre 30 persone, non vuoi che tutti ti aspettino. Quindi cerco di farlo in anticipo per conto mio.
Diresti che il tuo discorso sarà più utile per qualcuno che fotografa ritratti e vuole ottenere una migliore comprensione del colore? Forse qualcuno che vuole sperimentare e correre rischi creativi?
Forse si. Ovviamente, penso che il discorso piacerà alle persone a cui piace il mio lavoro. Non sono sicuro di come posso influenzarli per quanto riguarda la loro carriera - sta davvero a loro prendere qualcosa dal mio lavoro, nello stesso modo in cui ho preso pezzi da Avedon e Newton e così via. Spero che ci siano anche delle belle storie lì dentro. La mia carriera è stata un lungo incontro interessante con varie persone, cercando di far accadere le cose. L'intera cosa è stata molto divertente, ma non è stata fatta nel vuoto. È fatto con molte altre persone.
Immagino che molte persone non apprezzino necessariamente l'esercito di persone dietro a far funzionare quell'immagine. Vedono solo il nome dei fotografi e lo considerano il loro.
Forse sì. Alla fine della giornata il fotografo deve firmare. È uno sforzo collaborativo e il loro lavoro è molto apprezzato, ma è il fotografo che deve firmarlo e vive o muore grazie al talento del fotografo.
Che kit tendi a usare?
Scatto praticamente esclusivamente con una fotocamera Rolleiflex 6008. Gli obiettivi che tendo ad usare con quella fotocamera sono un obiettivo da 90 mm, che è il mio obiettivo preferito, e c'è un obiettivo da 120 mm, che anch'io uso molto. Questi sono i due che uso principalmente. Uso anche un obiettivo da 180 mm se ho bisogno di aumentare lo zoom e probabilmente vado largo fino a 50 mm.
Scatto con illuminazione Broncolor e tutto è flash. Mi piace il Flooter che fanno (sopra), che è una versione di Hollywood Frenel.
Scatto su pellicola Kodak Ektar 100 ASA. In realtà non scatto molto in digitale, ma quando lo faccio tendo a scattare su una Leica S con alcuni obiettivi a focale fissa. Trovo che le Leica abbiano una resa cinematografica migliore rispetto alle altre marche.
Miles Aldridge parlerà al The Photography Show il 20 marzo. Clicca qui per maggiori informazioni e per prenotare i biglietti
