Devi sapere come modificare i video, non solo come girarli. I due sono così strettamente correlati che devi sapere come dovrebbe apparire il tuo film finito ancor prima di iniziare le riprese e questi suggerimenti per l'editing video sono qui per aiutarti.
L'azione è finita, le riprese sono terminate e tutto il filmato è stato catturato con successo nella fotocamera. Ma la modifica è quando la storia si riunisce davvero. È qui che le immagini, l'audio, la musica, il color grading, l'ingegneria del suono e la grafica trasformano i materiali di base in un film finito pronto per essere guardato e goduto.
L'arte del montaggio non riguarda il programma che usi, le LUT che aggiungi o la grafica che crei. Si tratta di decidere quali scatti utilizzare e quali scartare, come si adattano gli scatti scelti e come utilizzare il suono per unire l'aspetto generale.
La realizzazione di un film di successo è tutta una questione di narrazione. Le grandi produzioni drammatiche di Hollywood o Netflix hanno centinaia di persone a disposizione, creando tutto per adattarsi alla visione del regista. Dall'assicurare che i colori degli abiti che il cast indossa corrispondano alla scenografia al controllo che non ci siano errori di continuità e che il dialogo e la caratterizzazione siano totalmente credibili, è un'operazione importante. Potresti non avere il lusso di cose del genere nella tua produzione, ed è probabile che tu giri il tuo materiale e lo modifichi, magari come parte di un piccolo team. Ma qualunque sia la dimensione o la scala del progetto, tutto finisce in una suite di montaggio in cui viene realizzato il taglio finale del film. Ecco la nostra guida ai principi di modifica di base.
1. Scatta sempre per la modifica
Quando i film sono stati girati su pellicole reali che costavano una fortuna da elaborare, molti registi erano giustamente molto frugali riguardo alla quantità di filmati che hanno girato. Ma oggigiorno, con le fotocamere digitali ad alta risoluzione, è facile continuare a girare, così hai molte più riprese di quelle che ti servono. Intasa i dischi rigidi e consuma il tempo di editing. Ma non va bene avere molte riprese della stessa parte della scena. Una varietà di angoli e punti di vista rende molto più facile la modifica finale. Scatti bassi, ampi, dall'alto: ogni scatto offre un'altra opzione. Un buon regista pensa a come le riprese possono o potrebbero essere utilizzate nel montaggio mentre le riprese vengono pianificate e girate.
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2. Ottieni i colpi giusti
La maggior parte delle scene richiede una varietà di inquadrature. In genere è necessaria una ripresa ampia e stabile per dare allo spettatore un contesto. Poi alcuni scatti medi e ravvicinati per raccontare la storia. E ogni volta che tagli tra due telecamere diverse, la posizione della telecamera dovrebbe cambiare di almeno 30 gradi tra gli scatti, altrimenti sembra un errore. Per una sequenza di azioni, è meglio scattare da due diverse posizioni della videocamera in modo da poterle tagliare tra loro durante la modifica. E cerca di attenersi alla regola dei 180 gradi in cui immagini una linea tra due soggetti che stanno parlando e la telecamera rimane sempre su un lato di quella linea. Quindi nella modifica sembra che stiano parlando tra loro, piuttosto che entrambi rivolti allo stesso modo.
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3. Non essere prezioso
Spesso gli scatti più complicati che sono visivamente sbalorditivi potrebbero non essere l'ideale per raccontare la storia. Quindi non essere prezioso per i fantastici filmati che hai girato, perché la storia è la cosa importante. Scegli i clip che mostrano l'azione essenziale per aiutare a raccontare la storia. Qualsiasi altra cosa può essere lasciata fuori. Ciò non significa mantenere ogni inquadratura uguale, tutt'altro! Prova a mostrare qualcosa di nuovo con ogni taglio, come un soggetto diverso, o una vista alternativa della scena come uno scatto più ampio o più stretto o da una diversa posizione della fotocamera. Durante il taglio, variare le dimensioni e l'angolo di ripresa. Non tagliare tra due colpi simili della stessa cosa.
4. Pensa al ritmo
Quando modifichi i tuoi scatti, una massima è che ogni scatto deve rimanere sullo schermo per il tempo giusto, abbastanza a lungo da consentire allo spettatore di capire cosa sta succedendo, ma non troppo a lungo per annoiarsi. Quindi è meglio tenere brevi primi piani o semplici scatti senza alcun movimento. Ma è meglio lasciare più a lungo gli scatti ampi con molte cose in corso o scene ricche di azione con più soggetti affinché lo spettatore possa capire cosa sta succedendo. Pensa anche al ritmo. Molti colpi brevi e mossi non vanno bene con colpi più lunghi e lenti. Il ritmo può davvero influenzare il modo in cui gli spettatori percepiscono il film.
5. Non essere troppo elaborato con l'editing appariscente
A meno che tu non stia realizzando un video pop per un gruppo rock ad alto ritmo o magari uno spot pubblicitario di sport estremi, spesso è meglio attenersi a tagli e transizioni convenzionali che si adattino al ritmo del film. I tagli standard vanno bene per molti scatti in cui l'azione prosegue da una scena all'altra. Una dissolvenza incrociata, in cui uno scatto si dissolve in un altro, viene spesso utilizzata per mostrare che un breve lasso di tempo o parte di un viaggio è stato tralasciato. Transizioni e salviettine appariscenti, molte delle quali sono standard in molti programmi di editing, possono rapidamente sembrare trash e ingannevoli.
6. Impara ad amare il rallentatore
Il rallentatore è uno dei modi migliori per aggiungere qualcosa di speciale ai tuoi film e può anche essere utilizzato per mascherare filmati traballanti! La maggior parte del rallentatore viene eseguita registrando a una frequenza fotogrammi più elevata nella fotocamera, quindi rallentata nel programma di editing. Se stai modificando su una linea temporale di 25 fps ma hai girato a 100 fps, puoi rallentarlo fino a 4x al rallentatore, ad esempio. Ovviamente, l'audio rallentato è inutile, quindi devi usare qualcosa per mascherarlo. La rampa di velocità è una buona tecnica da padroneggiare, in cui il movimento inizia a velocità normale, quindi rallenta in modo che il picco dell'azione sia al rallentatore, quindi ritorna alla velocità normale.
7. È ancora tutta una questione di audio
Tutti i registi sanno che un buon suono è essenziale per qualsiasi film. L'audio di soggetti che parlano, o di macchinari che lavorano in un film sull'industria, ad esempio, è cruciale, ovviamente e deve essere registrato in modo esperto senza picchi. Ma è anche fondamentale registrare alcune tracce selvagge, spesso chiamate room tone o semplicemente ambience, da utilizzare sulle clip in modo da non rimanere solo con il silenzio. Nel dramma narrativo, l'ingegneria del suono fornisce un'incredibile gamma di rumori ed effetti per aiutare a raccontare la storia. Nel documentario, non aver paura di usare effetti sonori e rumori se non puoi registrarli per davvero. Come le onde che si infrangono su una spiaggia, la stampa di un computer, il suono di un allarme, il cinguettio degli uccelli o il tifo della folla.
8. Inchioda quei colori
I colori e le tonalità influenzano i nostri stati d'animo e rendono le storie più facili da raccontare. Tuttavia, prima di approfondire gli sguardi e i gradi sottili è importante che i colori della tua pellicola siano naturali e ben abbinati. Ogni scatto dovrebbe essere ottimizzato in termini di luminosità, contrasto, esposizione e bilanciamento del bianco utilizzando gli strumenti di colore del software. È particolarmente importante che le cose corrispondano quando si utilizzano fotocamere e obiettivi diversi in un progetto o in condizioni di illuminazione diverse. Scattare una cartella colori prima di ogni scatto lo rende molto più semplice. Solo allora dovresti considerare di utilizzare un grado di colore, o anche una LUT, che influisce sui toni e sui colori del metraggio per dargli un certo stile. In caso di dubbio, i colori neutri funzionano sempre!
9. Vacci piano con grafica e titoli
La maggior parte delle applicazioni di modifica viene fornita con tutta una serie di modelli da utilizzare. Didascalie dei terzi inferiori, titoli, effetti che fanno sembrare il tuo filmato come se fosse stato girato con una videocamera degli anni '60: tutto è disponibile con un clic. E vai a navigare in Internet e ci sono centinaia di altri di questi temi, transizioni, look e titoli che puoi acquistare per collegarli al tuo editor video. Alcuni sono fantastici e possono essere modificati, altri sono molto ingannevoli. Quindi usali con cautela. La grafica semplice e i titoli dei terzi inferiori in un carattere di facile lettura aiutano a raccontare la storia di ciò che accade sullo schermo.
10. Scegli il giusto NLE
Un NLE - editor non lineare - è il software di editing utilizzato per tagliare il tuo progetto. Alcuni sono gratuiti, come Windows Movie Maker o iMovie se hai un computer Mac. Ma per un maggiore controllo e modifiche dall'aspetto professionale, è meglio investire in Final Cut Pro X per Mac o Adobe Premiere Pro e After Effects per Mac o PC Windows. Tutti questi sono relativamente facili da usare ma offrono un flusso di lavoro completamente professionale. Un'alternativa è DaVinci Resolve di Blackmagic, che può essere scaricato gratuitamente per la versione base, che è più di quanto la maggior parte dei registi abbia realmente bisogno. Resolve è lo standard del settore per la correzione e il grading del colore e può essere utilizzato come programma di modifica autonomo. È complesso, ma può dare risultati sorprendenti.
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