La fotografia è sempre stata qualcosa che volevo fare per vivere. L'unico problema era quando ero adolescente, tutti mi dicevano che era troppo lavoro, troppo insicuro o semplicemente troppo difficile.
Così invece ho abbandonato l'idea e sono entrato nell'aeronautica americana. Non ho più toccato correttamente una fotocamera per 15 anni. Quando l'ho fatto, però, ho subito capito di nuovo che era quello che volevo fare per vivere.
Avendo suonato in band durante la mia giovinezza, ho iniziato a fotografare la scena musicale a Cambridge. Mi sono subito prefissato l'obiettivo di girare per Kerrang… tre anni dopo avevo raggiunto quell'obiettivo, oltre a girare per riviste come Guitarist, Rhythm e Total Guitar.
Ho iniziato a sperimentare con un altro mio interesse: l'animazione in stop-motion. Ho subito scoperto che mi piaceva creare stop-motion: la pianificazione, la matematica, i piccoli movimenti e vederli prendere vita.
Avevo trovato la mia nuova passione. Questo mi ha portato a girare animazioni per aziende come Disney e Zeiss, così come le riprese di Bin Buddy qui.
Puoi vedere altri lavori di George tramite Facebook.
Come creare un'animazione in stop-motion da immagini fisse
01. Prepara la tua scena
Sono diventato famoso per i colori che uso sia nella mia fotografia che nel mio lavoro in stop-motion. Alcuni lo hanno descritto come uno stile pop art. Mi piace solo completare o contrastare i colori. Uso molto Adobe Color per questo: è un'ottima risorsa online gratuita che ti aiuterà a trovare colori che si completano o contrastano tra loro e di solito è il mio sito Web di riferimento quando inizio per la prima volta a pianificare un'animazione.
Una volta selezionato il colore di sfondo, passo attraverso il mio storyboard. Questo di solito è qualcosa su cui si collabora tra il cliente e me, anche se a volte mi viene dato libero sfogo. All'interno dello storyboard ci saranno tutti gli oggetti di scena che dovrò creare o trovare per le riprese. Mi piace avere tutto ciò che apparirà nell'animazione disposto e facilmente raggiungibile.
02. Installazione del treppiede
Un treppiede è assolutamente essenziale per creare uno stop-motion. L'ultima cosa che vuoi è che la videocamera si muova tra i fotogrammi e faccia sobbalzare o spostare involontariamente l'animazione. Assicurati che il tuo treppiede sia appesantito saldamente. Appendi un peso pesante dalla colonna centrale per dargli maggiore stabilità.
03. Configurazione della telecamera
La posizione e l'obiettivo che userò saranno determinati dal tipo di scatto che farò. In genere le mie animazioni di piccoli prodotti vengono riprese dall'alto e quindi utilizzerei un obiettivo abbastanza ampio. Per me, questo è il mio 16-55 mm. Per le animazioni che non vengono riprese dall'alto, cerco di utilizzare il mio 55-140 mm quando posso. Questo è dettato dalle dimensioni dei prodotti che saranno nell'animazione.
04. Scegli la tua illuminazione
Sono un po 'diverso da molti altri animatori in quanto uso il flash invece dell'illuminazione continua. Non ha molta importanza, ma non puoi assolutamente utilizzare la luce naturale per l'animazione in stop-motion. Questo è puramente dovuto alla natura. Il sole si sposta durante il giorno e quindi la tua illuminazione cambierà. In genere mi occorrono una o due ore per girare un'animazione di 20 secondi e, se uso la luce naturale, la vedrai cambiare.
Perché uso il flash invece del continuo? In primo luogo, sono stato un fotografo di luoghi per anni prima di iniziare a farlo. Sono molto abituato alle mie luci e le conosco come il palmo della mia mano. In secondo luogo, onestamente non ho ancora trovato una luce continua che mi piaccia. Li ho provati ma finora non ne ho trovato uno che soddisfi tutte le aspettative. Usa ciò che funziona per te, purché sia coerente la tua animazione
riuscito.
05. Riprese il movimento
La chiave quando si riprendono i fotogrammi è avere un piano. È qui che avere uno storyboard diventa incredibilmente importante. Vuoi che tutto sia pianificato. Se commetti un errore con uno stop-motion, è probabile che dovrai ricominciare tutto da capo. A volte misuro le distanze che un oggetto deve spostare e calcolo di quanto ho bisogno per spostarlo ogni volta, per mantenerlo coerente e nel tempo. Non è sempre così, ma aiuta.
Una volta iniziato, non fermarti a meno che non ti trovi a un punto in cui puoi facilmente riprendere ciò che stai facendo di nuovo. Imposta l'apertura e la velocità dell'otturatore e non toccarle. Scatta in tethering, con la tua fotocamera che trasmette i suoi dati al tuo laptop o computer. Questo è fondamentale: ti consente di vedere una visione reale di ciò che stai facendo e di dove ti stai muovendo, e su uno schermo più grande del retro della fotocamera. Utilizzare un treppiede robusto, idealmente appesantito. Questo è assolutamente essenziale.
Scatto in un programma chiamato Dragonframe, che è fatto per l'animazione in stop-motion. Non solo consente la riproduzione della tua animazione al tuo frame rate, ma puoi anche sovrapporre i tuoi scatti precedenti ("onion skin") in modo da poter spostare le cose con maggiore precisione.
06. Scegli il tuo frame-rate
È qui che entra in gioco la matematica. Un frame rate è il numero di immagini separate che verranno riprodotte in un secondo; 24 fotogrammi al secondo (fps) sarebbero 24 immagini riprodotte in una sequenza in un secondo.
Lo standard per i film e la televisione americana è di 24 fps (nel Regno Unito e in Europa, è di 25 fps). A quella velocità, un'animazione di 10 secondi avrebbe bisogno di 240 immagini per essere ripresa, motivo per cui i tipici frame rate per lo stop-motion sono 12 fps e 6 fps. Ce ne sono altri, ma questi sono i due che uso di più.
Mi piacciono i 12 fps perché è simile a un cartone animato senza esagerare. Ottieni un movimento fluido, ma molto movimento; un'animazione di 30 secondi scattata a 12 fps è di foto a 360 °. Uso 6 fps o quando voglio un aspetto molto simile a un cartone animato, o è solo un'animazione molto breve che deve essere distribuita - 6 fps non dà movimenti fluidi, ma ti dà molta flessibilità ed è generalmente più veloce e più facile da creare. Un'animazione di 30 secondi scattata a 6 fps contiene solo 180 foto.
06. Modifica dell'animazione
Ho un flusso di lavoro molto specifico con il mio editing. È qualcosa che ho sviluppato nel tempo man mano che ho realizzato sempre più animazioni e ora l'ho molto perfezionato. Una volta che l'animazione è stata girata, prendo tutti i file raw (sì, devi sempre girare raw) e li sviluppo in Lightroom. Posso sviluppare facilmente un'immagine, quindi applicarla al resto con solo un paio di clic. In Lightroom cerco di ottenere un'immagine piuttosto piatta, poiché mi piace controllare il contrasto in Photoshop … e questo è il passo successivo.
Dopo aver esportato tutti i miei file raw da Lightroom come DNG, ne apro uno in Photoshop. Qui lo modificherò fino a ottenere l'aspetto che desidero. Ciò include il contrasto e la correzione del colore di sfondo. Creerò quindi un'azione di ciò che ho fatto e la testerò su un'altra immagine dal set. Il motivo per cui lo faccio è che a volte ci sono altri oggetti nella cornice e il modo in cui modifico il mio colore di sfondo può sembrare diverso se c'è qualcosa di un colore simile in seguito.
Una volta che sono felice che la mia azione funzioni, eseguo l'azione su tutti i DNG e li faccio salvare come JPEG.webp. Una volta finito, carico tutte le mie immagini nel programma di editing video Final Cut e le esporto come film. Ecco! Hai un fantastico stop-motion.
Quando inizi con l'animazione in stop-motion, potrebbe sembrare scoraggiante o troppo da affrontare. Due anni fa, mi ci sono volute due settimane per pianificare, preparare, girare e modificare uno stop-motion di 30 secondi. Oggi posso partire da zero e avere un prodotto finito in due o tre giorni. Più lo fai, meglio ottieni. Quindi vai avanti, provalo!
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