La fotografia di cibo ha assunto una nuova prospettiva di vita negli ultimi anni. Non è più appannaggio di nicchia dei libri di cucina e dei menu dei ristoranti economici: i social media hanno reso la fotografia di cibo uno dei generi più popolari nella forma d'arte, con la cucina (e persino il mangiare) del pasto spesso secondaria.
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L'attuale situazione di blocco rende la fotografia di cibo una scelta ancora più attraente per i fotografi frustrati incapaci di entrare nel mondo reale. Con poco più del tuo kit fotocamera principale e delle superfici della tua cucina, puoi creare degli scatti dall'aspetto davvero gustoso.
Sebbene i principi generali abbiano molto in comune con la natura morta e la fotografia di prodotti, fotografare il cibo ha molte insidie tutte sue. In ogni caso, avrai bisogno di solide basi di teoria e tecnica fotografica - e ovviamente la pratica rende perfetti! Proprio come cucinare il tuo piatto preferito, fare le cose per bene può essere molto più complicato di quanto sembri.
Per metterti sulla strada giusta catturando le tue creazioni culinarie, siamo entrati in cucina con il fotografo professionista Ewen Bell per esaminare sia l'attrezzatura che le abilità chiave per ottenere scatti che sono tanto una gioia per gli occhi quanto per il stomaco…
1. Lavora in buona luce
L'errore più comune è tentare di riprendere del buon cibo in condizioni di scarsa illuminazione. Le fotocamere vedono la luce, non i soggetti, anche quando quel soggetto è delizioso!
La fotografia di cibo inizia sempre con la luce. La luce perfetta è morbida, abbondante e angolata. Vuoi molta luce con cui giocare, ma sicuramente non vuoi che la luce solare diretta entri in streaming sulla scena; è troppo duro e troppo contrastato. Il miglior tavolo del ristorante ha il posto vicino alla finestra, con una luce diurna intensa all'esterno e solo luce filtrata che passa.
Questo scenario trasforma la finestra in un grande softbox, riempiendo il tavolo di luce utile che offre una gamma di angoli di ripresa. Il punto di partenza è scattare con un angolo attraverso la fonte di luce. Quell'angolo offre un contrasto sufficiente per rivelare i dettagli nella scena e fa risaltare i colori. Non è necessario riempire il lato opposto della scena con una scheda di rimbalzo o un flash di riempimento, perché è possibile schiarire le aree sottoesposte delle immagini grezze quando si elaborano i file: spesso è più veloce e più preciso da rifinire- sintonizza i file raw piuttosto che cercare di renderlo perfetto nella fotocamera.
Quando cambi l'angolazione, crei una diversa qualità di luce per la scena. Più spari alla luce, più contrasto e drammaticità crei. La ricchezza del colore si riduce, i neri si induriscono e alcune aree potrebbero persino spegnersi, e questo è accettabile ai fini dello stile, se il dramma è ciò che stai cercando.
In alternativa, quando modifichi l'angolazione per far sì che la luce provenga un po 'di più da dietro di te, la scena si riempie di più e il contrasto si appiattisce. Controllando l'angolo di ripresa rispetto alla finestra, controlli anche il contrasto e il colore, anche quando la luce è molto, molto morbida.
Non importa quanto sia sorprendente il tuo cibo su un piatto se la luce non funziona per te: il buon cibo in cattiva luce rende le foto fallite. Nella giusta luce, d'altra parte, quasi ogni scena può essere resa invitante.
2. Modifica i tuoi scatti
Il trattamento dei tuoi file Raw è importante tanto quanto le riprese. I colori più naturali sono spesso il risultato di una facile saturazione, o anche di tirarla un po 'indietro; se stai lottando con il bilanciamento del colore, è probabile che la saturazione sia troppo alta.
In una luce molto piatta potrebbe essere necessario aumentare leggermente il contrasto per dare durezza ai bordi: l'aggiunta di contrasto solo all'estremità nera dell'istogramma aiuterà a preservare i toni in altre parti della scena.
Inoltre, è possibile aumentare i dettagli delle ombre per bilanciare la scena. Assicurati di utilizzare regolazioni selettive per aggiungere l'esposizione o più dettagli in ombra se gli elementi critici vengono persi nell'ombra.
3. Considera il flash
Il problema quando si fa affidamento sulla luce naturale quando si riprende il cibo è che non è sempre così naturale. Le dominanti di colore possono essere proiettate sulla scena dagli alberi all'esterno, le luci interne possono aggiungere macchie di colore alla stanza e il movimento delle nuvole durante il giorno può causare cambiamenti drammatici al contrasto e alla temperatura del colore.
Non otterrai mai una luce bianca bella e pulita a meno che tu non porti la tua. L'attrezzatura flash darà coerenza alla tua fotografia e ridurrà lo sforzo di elaborazione. Gli strobo affidabili forniscono il colore e la quantità di luce esatti da un fotogramma all'altro. Se stai riprendendo contenuti per diversi giorni ma hai bisogno che l'aspetto di ogni fotogramma sia coerente, il flash da studio è la strada da percorrere.
Oltre ad essere molto pratico e affidabile, una volta che hai sotto controllo la tua attrezzatura flash, sei libero di concentrarti sulla tua creatività. La scala è fondamentale qui. Proprio come godiamo di una luce morbida, abbondante e angolata sul sedile della finestra di un ristorante, cerchiamo di ottenere lo stesso risultato in studio.
È necessario un softbox di grandi dimensioni, alimentato da una sorgente luminosa sufficientemente capace. 100 W di flash sono più che sufficienti per riprendere una scena di un tavolo e tirare fuori i momenti di ispirazione al suo interno.
I flash a batteria possono fare il lavoro, ma brucerai le batterie e sono dolorosamente lente a rigenerarsi man mano che l'energia si esaurisce. Allo stesso prezzo di un discreto flash è possibile acquistare kit monoblocco che offrono un'unità plug-in con un ricevitore integrato; basta collegarlo all'alimentazione di rete e inserire l'unità trigger sulla fotocamera e sei pronto per partire.
Una fonte di luce affidabile è essenziale, così come la considerazione di come si desidera modellare la luce. I softbox per la fotografia di cibo dovrebbero essere molto grandi e offrire una quantità generosa di diffusione interna. È necessario avvicinare il softbox alla scena, il più vicino possibile per mantenere la luce il più diffusa possibile.
Se le tue scatole che modellano la luce non sono abbastanza morbide e la scena è troppo contrastata, aggiungi semplicemente uno schermo di diffusione aggiuntivo tra il cibo e il flash.
4. Fermare il movimento
L'illuminazione costante del flash da studio è perfetta per realizzare brevi clip in stop-motion dell'assemblaggio o della presentazione passo-passo di un piatto.
Blocca la fotocamera su un treppiede e blocca la messa a fuoco e l'esposizione: è necessario che siano le stesse per ogni scena. Apporta piccoli aggiustamenti tra i fotogrammi per imitare una scena in movimento.
Elabora i file grezzi alla perfezione prima di eseguire l'output dei singoli fotogrammi, quindi porta le immagini fisse nel tuo strumento di editing video e utilizza transizioni morbide per uniformare il movimento.
5. Tutta la magia avviene a 50 mm
Il campo visivo di un obiettivo da 50 mm è il punto ideale per la fotografia di nature morte, cibo compreso. Man mano che il tuo campo visivo si allarga, come il 35 mm, inizi a ottenere problemi di prospettiva e più ampio è lo scatto più vicino devi avvicinarti, il che può esagerare ulteriormente la prospettiva. Diventa anche difficile controllare lo sfondo con un obiettivo più ampio; non vuoi sempre che il resto della stanza sia disegnato nella cornice.
Anche restringere il campo visivo con un teleobiettivo può essere un problema. Lunghezze focali più lunghe, come 100 mm, comprimeranno la scena: puoi perdere il senso di profondità e le tue composizioni possono sembrare piatte. Gli obiettivi più lunghi creano anche problemi logistici quando lavori in spazi ristretti, poiché potresti non avere lo spazio per fare un passo indietro abbastanza per uno scatto.
Tutto funziona molto meglio quando inizi con 50 mm. Se stai scattando con un sensore a pieno formato, l'altro vantaggio di 50 mm è che ci sono molti numeri primi convenienti sul mercato.
Un'apertura di f / 2 è l'ideale e si è tentati di usare un 24-70 mm f / 2.8 se ne hai già uno, ma non ti godrai appieno l'effetto di un obiettivo a focale fissa af / 2 - e tu devi anche avere a che fare con un obiettivo grande e goffo che può essere un ostacolo al tuo processo creativo.
L'obiettivo equivalente per le fotocamere APS-C è un 35 mm f / 1.4 o per le fotocamere micro quattro terzi un 25 mm f / 1.4. più piccolo è il sensore della fotocamera, maggiore è la profondità di campo che ottieni a un dato f-stop, quindi potresti provare ad andare fino a f / 1.4 invece di f / 2 con questi corpi macchina più piccoli. La differenza tra f / 2 ef / 2.8 è significativa per il bokeh di sfondo ed è ancora più pronunciata af / 4.
Scattare in profondità significa attirare l'attenzione su un elemento della scena e il grado in cui dissolvi il resto della scena è essenziale per la tua composizione.
La tua profondità di campo si espande anche quando ti allontani dal soggetto, quindi più grande è la scena che riprendi a 50 mm, più a sud potresti dover abbassare l'f-stop per ottenere il grado di sfocatura desiderato.
Scattare af / 4 potrebbe sembrare drammatico quando la cornice ha le dimensioni di una tazza da tè, ma offre un impatto zero una volta che fai un passo indietro per catturare una tavola completa.
6. Considera la scala
Abbiamo la tendenza, quando abbiamo un obiettivo in mano, a continuare a fare un passo verso l'interno, cercando di stringere la composizione tagliando tutte le cose che non vogliamo nella scena. Questo è un processo riduttivo. Finiamo con composizioni molto semplicistiche e non abbiamo idea di dove abbiamo sbagliato.
Il trucco per costruire composizioni più ricche e dettagliate con nature morte e cibo è fare un passo indietro e portare di più nell'inquadratura, non di meno. Non è solo questione di una lente diversa, è una prospettiva diversa; pensare in grande è meglio. Siamo ossessionati da ciò che c'è nel piatto, senza renderci conto che c'è una scena più grande in offerta.
Mentre indietreggi un po 'ti ritrovi a sparare al tavolo, non al piatto. Ora hai opzioni per le tue composizioni. Fai un passo indietro e hai un ristorante, non solo il tavolo. Ad ogni livello di scala si ottengono diverse opzioni per la composizione.
Fare un passo indietro ti consente di inserire il piatto in un contesto più ampio, con spazio per includere un senso del luogo. Quando si lavora in studio, è un errore comune mantenere la scala ridotta. Limitare te stesso a una frazione di una panchina, o un piccolo pezzo di compensato che hai dipinto per sembrare un legno stagionato, sta limitando anche la tua creatività.
Per ottenere grandi risultati è necessario pensare più in grande di una scatola per il pane. L'espansione della scala della tua zona di ripresa ti consente anche di fare spazio per più piatti. Una piastra offre molte meno opzioni di due o tre.
Con multipli dello stesso piatto su un tavolo o su una panca da studio, crei il potenziale per composizioni a strati. Mentre ti muovi, troverai inquadrature all'interno della scena e quei multipli di un piatto ti danno più momenti di ispirazione.
7. Includere una piccola azione
La natura morta non deve essere calma quando si tratta di cibo. Entra nella scena e portala in vita. Catturare il movimento all'interno delle tue scene aggiunge impatto a una buona composizione, ad esempio il versamento di liquidi, il vapore che si solleva da piatti caldi o semplicemente la spolverata di sale su un piatto.
Inoltre, la preparazione del cibo e le persone che lo preparano sono ottimi elementi da includere in una serie di foto. Il disordine è magico; un senso del caos in una cucina, o gli ingredienti su un banco da lavoro, aggiungono interesse.
8. Modella lo scatto
Costruire una composizione interessante richiede uno spettro di approcci, con lo stile del cibo da un lato e il fotogiornalismo dall'altro. Puoi creare la scena esatta che desideri da zero usando oggetti di scena e stile, oppure puoi cercare i momenti all'interno di una scena che esiste già nel mondo reale; i migliori risultati spesso derivano da una combinazione dei due.
Lo styling è un'abilità dedicata: in uno scatto commerciale lo stilista può effettivamente guadagnare più del fotografo. Gli stilisti forniscono i loro oggetti di scena e le loro idee, e in genere il concetto del servizio fotografico complessivo è più che altro nelle loro mani.
Il fotografo dovrà prendere il loro comando, manipolare la luce a proprio vantaggio e assicurarsi che la scena finale sia tecnicamente competente.
Come fotografo, è una gioia lavorare con un bravo stilista, perché portano gran parte del carico creativo. Con lo stilista che prepara la scena, puoi dedicare la tua attenzione al compito di trovare la composizione ideale - per una persona che si occupa sia della fotografia che dello stile può essere impegnativo, poiché il tuo cervello sta saltando tra due compiti e te potrebbe non essere in grado di completare con successo nessuno dei due in modo soddisfacente.
Quando scatti in esterni, è importante considerare quanta parte del personaggio originale del ristorante o della cucina desideri inserire nelle immagini. Gli imperativi del fotogiornalismo impongono di rivelare la natura del soggetto, mentre lo styling è un tentativo di crearlo attraverso l'arte. In pratica c'è sempre un grado di entrambi.
Mi piace "girare la scena" quando visito un ristorante o un altro luogo. Chiedo allo staff di apparecchiare come farebbero per gli ospiti e di presentare i piatti con i vini versati - voglio vedere come presentano il loro lavoro. Con un tavolo completamente vestito comincio quindi a cercare elementi all'interno della scena.
Cerco un "eroe" ed estraggo composizioni che raccolgono più elementi. E poi potrei iniziare a disegnare un po 'il tavolo, non molto, solo un po'. Faccio regolazioni, rimuovo le distrazioni e aggiungo livelli allo sfondo. Lo faccio con le riprese in esterni e quando lavoro con uno stilista in studio.
Mettere insieme questi due approcci produce diversità nelle immagini che sei in grado di raccogliere e apre la porta a composizioni innovative che sono inaspettatamente gratificanti.
9. Ricordati di usare oggetti di scena
La chiave per un ottimo stile del cibo è avere oggetti di scena a portata di mano per completare la scena. Se hai intenzione di girare molto in studio, ti consigliamo di iniziare a raccogliere alcuni oggetti di scena interessanti per ravvivare le tue scene.
Gli ingredienti di una ricetta possono essere utilizzati come oggetti di scena, stoviglie e stoviglie. Le persone possono fungere anche da oggetti di scena. Pensa alle mani coinvolte nella scena, o forse al personale di cucina che maneggia un piatto: ridimensionare per riprendere più ampi lascia spazio per portare quegli oggetti di scena nella composizione.
Il sostegno giusto può aggiungere contesto a una scena, come una teiera e tazze accanto a una fetta di torta. Gli oggetti di scena possono anche essere utilizzati per aggiungere con cura colori specifici a una scena che abbelliscono il soggetto principale.
10. Assumi il pieno controllo
Ciò che rende la fotografia di cibo così diversa dagli altri generi è il grado di controllo che hai sul soggetto. Puoi fare praticamente tutto ciò che ti piace sulla scena - puoi persino mangiarlo! È facile controllare la luce su una scena delle dimensioni di un tavolo, rispetto alla ripresa di un intero set da studio o all'attesa dell'alba su un paesaggio.
Il cibo non deve fare una posa o esprimere un'espressione; sta lì e accetta silenziosamente l'attenzione senza muoversi. Entro certi limiti, ovviamente, fai attenzione al gelato, poiché può sciogliersi in pochi minuti se non sei pronto per lo sparo.
La scala e la natura inanimata della fotografia di cibo significa che hai eccellenti opportunità per la composizione. È un ottimo genere per esplorare l'uso del colore, della prospettiva e della ripetizione.
Non pensare di aver bisogno di tutti i colori dell'arcobaleno incastrati in un unico fotogramma, prova invece inizialmente a lavorare con una tavolozza di colori limitata e trova il modo di ripetere i colori nella scena. E usa più di un piatto nel tuo stile, sfruttando una scala più grande e idee più grandi.
Cambia prospettiva mentre scatti: prova la vista dall'alto verso il basso, ma poi cerca angolazioni diverse che rivelino più o meno determinati elementi.
La fotografia di cibo si presta alle riprese in tethering ed è una buona idea lavorare con un laptop e un cavo quando si è in studio o sul posto. È un grande vantaggio rispetto alla visualizzazione solo sulla fotocamera, perché ottieni un feedback molto migliore sulle sottili variazioni nei tuoi scatti e una conferma più accurata del punto in cui la tua profondità di campo sta colpendo.
Inoltre, la nitidezza dello schermo di un laptop di grandi dimensioni offre anche rendering migliori delle composizioni, completi del trattamento di elaborazione preferito quando ogni fotogramma esce dalla fotocamera. la regola principale, tuttavia, è iniziare sempre con la luce: non importa quanto sia interessante il cibo se non hai una buona luce. Punta a una luce morbida, abbondante e angolata.
Man mano che cambi prospettiva, puoi anche cambiare l'angolo di luce, ad esempio aggiungendo sale e pepe per condire un piatto, cambiare l'angolazione sta perfezionando la sensazione dello scatto.
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